EL ARTE
El arte lo tenemos entendido como el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura.
Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesania y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.
Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.
Así, por ejemplo, tendríamos que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a trabajos destacaríamos, por ejemplo, “La Gioconda”, “La Capilla Sixtina”, “Gattamelata”, “Venus de Urbino” y “Los desposorios de la Virgen” respectivamente.
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la musica, la pintura y la poesia (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografia como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas.
En este sentido, hay que destacar que la UNESCO se dedica a catalogar a aquellas obras y monumentos artísticos que tienen un valor incalculable y una belleza inigualable. En este caso podríamos hablar, por ejemplo, de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada, la Catedral de Sevilla o el Yacimiento Arqueológico de Atapuerca.
Sin embargo, en todo el mundo existen monumentos que reciben esta misma catalogación. Entre los mismos se encuentran el Templo Tiwanaku en Bolivia, las Iglesias de Chiloé en Chile, el centro histórico de Lima o el Castillo de San Pedro de la Roca en Santiago de Cuba.
Y todo ello sin olvidarnos tampoco de los Palacios Reales de Abomey en Benín, el Chichén Itza en México, la Estatua de la Libertad de Estados Unidos, las necrópolis de Egipto, la Iglesia de la Natividad en Palestina o el Castillo de Durham en Reino Unido.
Con el paso del tiempo, las creaciones artísticas suelen sufrir importantes deterioros. Por eso, el conjunto de procesos dedicados a la preservación de estos bienes culturales para el futuro es conocido como conservación y restauración de obras de arte.
Además de todo lo expuesto tenemos que subrayar que el término arte también se utiliza para hacer referencia a la maña o a la astucia que tiene una persona para realizar una tarea concreta.
No hay una ordenación universalmente aceptada entre esas seis artes (pintura, escultura, arquitectura, musica, danza y teatro) que identifique un primer arte, segundo arte, tercer arte, cuarto arte, quinto arte o sexto arte. No obstante, sí que se utiliza la expresión séptimo arte para identificar al nuevo arte que se añada a la lista. Muy habitualmente se suele denominar así al cine, desde que Ricciotto Canudo acuñara la expresión en su Manifiesto de las siete artes (1911).4 Las expresiones octavo arte, noveno arte, décimo arte, etc. se utilizan de forma menos unívoca, para identificar como artes, y por tanto prestigiarlos, poniéndolos al mayor nivel posible entre todas las manifestaciones artisticas y culturales al comic, la fotografia, la television, la publicidad, los videojuegos, el origami, etc.
LA DANZA
La danza o el baile es un arte en donde se utiliza el movimiento del
cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción
social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. Es el movimiento
en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del ejecutante, con
cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de
símbolos de la cultura y la sociedad. En este sentido, la danza también es una
forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres
humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a
través de sus movimientos y gestos. Se realiza mayormente con música, ya sea
una canción, pieza musical o sonidos
Dentro de la danza existe la coreografia, que es el arte de crear danzas. La persona que crea coreografía, se le conoce
como coreografo. La danza se puede bailar con un número variado de bailarines. que va desde solitario, en pareja o grupos, pero el número por lo general
dependerá de la danza que se va a ejecutar y también de su objetivo, y en
algunos casos más estructurados, de la idea del coreógrafo.
La Historia de la danza
estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde la prehistoria el
ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos
que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos
rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes
(nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente
ritual, celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa
índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón
sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.
El baile de los coribantes
inventado por los curetos o coribantes, ministros de la religión bajo los
primeros titanes, lo ejecutaban al son de tambores, de pífanos, zampoñas y al
tumultuoso estrépito de los cascabeles, lanzas, espadas y escudos. La fábula dice
que con el ruido de dicho baile salvaron de la barbarie de Saturno al pequeño
Júpiter, cuya educación les había sido confiada.
Las danzas o bailes
campestres, que se dice fueron inventados por el dios Pan, se ejecutaban en los
bosques y parajes deliciosos por jóvenes de ambos sexos coronados de ramos de
encina y guirnaldas de flores.
Antigua Grecia
Música y bailarina griega, s. V adC.
Grecia fue el primer lugar
donde la danza fue considerada un arte, teniendo una musa dedicada a ella:
Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los cultos a Dioniso
(ditirambos), mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo—
donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.
Los griegos conocieron este
arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro de La Odisea vemos que los
feacios obsequiaron ya en aquellos remotos tiempos al hijo de Laertes recién
llegado a la corte de Alcínoo con un baile ejecutado por una tropa de jóvenes
al son de la armoniosa lira de Demódoco, los que bailaron con tanto primor y
ligereza que Ulises quedó arrebatado por la encantadora movilidad de sus pies.
A las sabias leyes de Platón se debió el que este arte llegase al último grado
de perfección entre los griegos, como que Ateneo nos dice que los escultores
más hábiles iban a estudiar y dibujar las varias actitudes de los bailarines,
para copiarlas después en sus obras.
Platón reconoció tres
especies de danzas, dos de «honestas» y una de «sospechosa»:
La primera, de pura
imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las expresiones del canto y
de la poesía.La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia
en el cuerpo.
La tercera o sospechosa era
de las bacantes y otras semejantes que con pretexto de cumplir con ciertos
ritos religiosos imitaba la embriaguez y se abandonaban a toda suerte de
excesos. Por esta razón, al paso que juzgó las dos primeras de la más grande
utilidad para la república, desterró la última como contraria a la moral y
buenas costumbres.
Los griegos introdujeron el
baile en la escena, cuya invención se atribuye a Batilo de Alejandría y a
Pílades: el primero lo unió a la comedia y, el segundo, a la tragedia. Esta
diversión, que forma uno de los principales placeres de la juventud, no podía
menos de gustar a los romanos y a los demás pueblos que les sucedieron.
Como es considerado el
inventor de las danzas con que los griegos y romanos adornaron sus banquetes.
Primero fueron como unos intermedios de aquellas comidas que la alegría y la
amistad ordenaban en las familias, pero el placer, la glotonería y el vino
dieron después mayor extensión a este divertimento, degenerando de su primitivo
origen.
Sócrates es alabado por los
filósofos que le sucedieron porque bailaba con primor. Platón mereció ser
vituperado por haber rehusado bailar en un baile que daba un rey de Siracusa: y
Severo Catón, que en los primeros años de su vida no cuidó de instruirse en un
arte que ya se miraba entre los romanos como un objeto serio, creyó que debía
sujetarse a los 59 años de edad a las ridículas instrucciones de un maestro de
baile en Roma.
Los griegos y la mayoría de
los pueblos antiguos introdujeron el baile en la mayor parte de sus ceremonias
sagradas y profanas. El baile o danza sagrada es de todas la más antigua. Los
judíos la practicaban en las fiestas mandadas por la Ley y para celebrar algún
acontecimiento interesante. Después del paso del mar Rojo, Moisés y su hermana
María bailaron en unión con otros hombres y mujeres y David hizo lo mismo
delante del Arca en señal de alegría. La danza o baile astronómico inventado
por los egipcios e imitado luego por los griegos se reducía a representar al
son de tocatas armoniosas y por medio de pasos mesurados y figuras bien
diseñadas el movimiento y curso de los astros.
El baile armado o «danza
pírrica», cuya invención se atribuye a Pirro hijo de Aquiles, que la ejecutó
por primera vez delante de la tumba de su padre, se hacía con la espada, la
lanza y el escudo. En medio de ella ejecutaban todas las evoluciones militares
de aquellos tiempos, y formaba una parte de la educación de la juventud de
Lacedemonia. Este baile se llamaba también por los griegos menafítico y se
decía lo había inventado Minerva para celebrar la victoria de los dioses y el
abatimiento de los titanes. Los espartanos iban al combate danzando. La danza
de los festines se ejecutaba en los intermedios o después de los banquetes. El
sonido de muchos instrumentos reunidos invitaba a los convidados a nuevos
placeres: los poetas dicen que Baco inventó este baile cuando volvió de Egipto.
Se llamaba «baile de la
inocencia» a una danza que se hacía en Lacedemonia por las doncellas de aquella
ciudad enteramente desnudas delante del altar de Diana, con graciosas y
modestas actitudes y con pasos lentos y graves. Helena se ejercitaba en este
baile cuando fue vista por Paris, el que, enamorado, la robó. Licurgo, al
reformar las leyes de los lacedemonios, conservó esta danza, la que
probablemente no consideraría perjudicial a las buenas costumbres.
Los «bailes fúnebres» se
ejecutaban en las exequias y funerales. En los de un rey de Atenas, por
ejemplo, una escogida tropa vestida de largas ropas blancas rompía la marcha.
Dos órdenes de jóvenes precedían al féretro circuido de otros dos coros de
doncellas. Llevaban todos coronas y ramos de ciprés y formaban bailes graves y
majestuosos al son de sinfonías lúgubres. Luego venían los sacerdotes de las
diversas divinidades del Ática, adornados con los signos distintivos de su
carácter. Caminaban lentamente y en cadencia, cantando himnos en alabanza del
difunto rey. Los bailes fúnebres de los particulares ejecutados sobre este
modelo eran proporcionados a la dignidad de los muertos.
El inicio teatral antiguo se
dividía en cuatro partes:
Trágico. Era propio del
trágico toda la seriedad y dignidad necesaria para inspirar la tristeza, la
compasión, el terror y todos los sentimientos análogos a la acción que se
quería representar.
El baile cómico, llamado
cordacio, era acompañado de las posiciones más indecentes y licenciosas, en tanto
grado que Teofrasto dice que un hombre no se hubiera atrevido a bailar el
cordacio sin haber perdido antes toda especie de pudor o sin estar embriagado.
Satírico. La tercera especie
de baile se llamaba attellanes y era lo que en la satírica griega se decía
sykinnis, destinado a la burla y mordacidad.
Pantomímico. La cuarta parte
y la más famosa reunía el carácter de todas las demás: los pantomimos sin
necesitar ni de la propia voz, ni del oído de los espectadores, daban a
entender con la mayor claridad por medio de pasos y acciones expresivos cuanto
querían.
Antigua Roma
Bailarina con patera y rhytos, s. I dC
Entre los romanos se usaba
una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima en los entierros o
funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara con una
máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales más
conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador
fúnebre sin hablar una palabra, de todas las costumbres del muerto.
El baile o danza de los
salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en honor de
Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más
ilustres familias de Roma.
El baile del Himeneo o
«danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en los
matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que
con sus figuras y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz
unión. Con el tiempo este baile, tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo
ejemplo y una pintura la más obscena de las funciones más secretas del
matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron a tal punto que el Senado se
vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y maestros de semejante
baile.
Todos los pueblos, como
hemos dicho, tuvieron sus bailes sagrados, que eran considerados como una parte
del culto que debía tributarse a sus divinidades. Los galos, los españoles, los
alemanes, los ingleses tenían sus danzas sagradas. En todas las religiones
antiguas fueron los sacerdotes danzadores por estado. Si hemos de dar crédito a
Scaligero, los obispos fueron llamados præsules en la lengua latina (a
præsiliendo) porque ellas principiaban la danza sagrada. Así es que en casi
todas las iglesias que se construyeron en los primeros tiempos se dejaba un
terreno elevado al que se daba el nombre de coro; este era una especie de
teatro separado del altar, tal como se ve aún en el día de hoy en las iglesias
de san Clemente o de san Pancracio de Roma, en el que se ejecutaban las danzas
sagradas con la mayor pompa en todas las fiestas solemnes. Aunque estos bailes
hayan sido sucesivamente desterrados de las ceremonias de la Iglesia, no
obstante se conservan todavía en algunos pueblos católicos en honor de los
misterios más augustos de esta religión.
Edad Media
La danza medieval tuvo
escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia, que
la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las
«danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes
aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban
los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más importantes las
danzas populares, de tipo folklórico, como el pasacalle y la farándula, siendo
famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances).
Otras modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle, el saltarello y la
tarantela.
Renacimiento
La danza renacentista tuvo
una gran revitalización, debida al nuevo papel preponderante del ser humano
sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta época el
nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia –donde fue
llamado ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobre textos
mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de
Médicis. Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet comique de la
Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las principales modalidades
de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta época surgieron
los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte
saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la
Historia; Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas
(Orchesographie, 1588).
Barroco
La danza barroca siguió
desarrollándose nuevamente en Francia (ballet de cour), donde hizo evolucionar
la música instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada a la
danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes
espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de
sol), creando en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre
Beauchamp, creador de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la
danza. Las principales .tipologías fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon,
allemande, zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc. En España también se
dieron diversas modalidades de danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango,
jota, etc.
En el siglo XVIII -la época
del Rococó- continuó la primacía francesa, donde en 1713 se creó la Escuela de
Ballet de la Ópera de París, la primera academia de danza. Raoul-Auger Feuillet
creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por
escrito la diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a
independizarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía
propia como arte, y formulando un vocabulario propio. Se empezaron a escribir
obras musicales solo para ballet, destacando Jean-Philippe Rameau –creador de
la opéra-ballet–, y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados, como
Gaetano Vestris y Marie Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue el vals,
de compás, mientras que en España surgió el flamenco.
Durante el neoclasicismo el
ballet experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del
coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que destacaba el
sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor
naturalismo y una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en
las obras del compositor Christoph Willibald Gluck, que eliminó muchos
convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò,
que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los
bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto de estos.
Romanticismo
La danza romántica recuperó
el gusto por los bailes populares, las danzas folklóricas, muchas de las cuales
sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú), aparecido por
vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831), de Giacomo
Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente para ballet, destacando
Coppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico, destacó la figura del
coreógrafo Carlo Blasis, principal creador del ballet moderno en cuanto
codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de
Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando estudios
de anatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo a la
danza, y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También
introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que destacaron Marie
Taglioni y Fanny Elssler. En bailes populares, continuó la moda del vals, y
aparecieron la mazurca y la polca.
A mediados del siglo XIX,
con el nacionalismo musical, el centro geográfico en cuanto a creación e
innovación pasó de París a San Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó
cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski –y,
posteriormente, en el Teatro Bolshói de Moscú–. La figura principal en la
conformación del ballet ruso fue Marius Petipa, que introdujo un tipo de
coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. Hizo
ballets más largos, de hasta cinco actos, convirtiendo el ballet en un gran
espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena, destacando su colaboración
con Piotr Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889), El
cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). A nivel popular, el baile
más famoso de la época fue el can-can, mientras que en España surgieron la
habanera y el chotis.
Danza contemporánea
La danza contemporánea se
inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del
siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su
obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» –solo danza, sin
hilo argumental–. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los
Ballets Rusos en París, introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia:
su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Príncipe Igor
de Aleksandr Borodin (1909), al que siguieron El pájaro de fuego (1910),
Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), de Igor Stravinski;
por último, Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de
Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados
de Pablo Picasso. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav
Nijinsky, Anna Pavlova y Tamara Karsavina. Con la Revolución soviética el
ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política, perdiendo gran
parte de su creatividad, aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf
Nureyev y Mihail Baryshnikov, y se produjeron obras memorables como Romeo y
Julieta (1935) y Cenicienta (1945), de Sergei Prokofiev, y Espartaco (1957), de
Aram Khachaturian. También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico ideado por
Agrippina Vagánova.
ORIGEN DE LA DANZA
La danza es "baile, acción de bailar y sus mudanzas". Y bailar por "hacer mudanzas con los pies, el cuerpo y los brazos en orden y a compás". Por ello no haremos distinción entre los vocablos danzar y bailar, y los emplearemos indistintamente.
La danza aparece unida al hombre, prácticamente desde sus orágenes. Incluso hay autores que consideran esta actividad natural e instintiva y, por tanto, anterior al hombre y que, a su vez, es observable en todos los planos de la vida animal.Tal vez estos autores, como Curt Sach o Havelock Ellis, se basaran en relatos de viajeros de finales del siglo pasado y principios de éste, que afirmaban haber visto la danza de los elefantes en la India o leyendas similares de otros animales.Pero estos aspectos carecen de fundamento cientáfico.
Es cierto que los denominados pueblos primitivos actuales, algunos africanos y de Oceanáa, mantienen la danza como elemento esencial en sus manifestaciones tanto religiosas como sociales.También se interpretan como danza unas pinturas rupestres de la cueva de Cogull en la provincia de Lérida.Se puede afirmar que la danza y el habla constituyen las dos actividades básicas diferenciadoras entre el hombre primitivo y el animal.
La danza primitiva era de carácter religioso como la mayor parte de las actividades que realizaban.Y en ella no habáa espectadores.Cada miembro de la tribu tenáa asignado su papel dentro del ritual coreográfico: músicos, danzantes, testigos.
Como en una celebración religiosa, están los fieles (testigos) y el celebrante, pero no hay espectadores.
¿Cómo surge la danza? Sin duda alguna, para expresar las necesidades vitales: necesidad de alimento (caza, recolección...), sentido de culto (ritos fúnebres, lluvia, trueno, rayo, salida y ocaso del sol, la luna...), de tipo social (galanteo, matrimonio, guerra...). Poco a poco se van configurando los diversos tipos de danzas, sin perder nunca el carácter colectivo. La procesión en torno a un objetivo sagrado o un árbol es una de las formas coreográficas más antiguas y que, de forma evolucionada, bajo aspectos bien diversos, ha llegado a nosotros."
CLASIFICACIÓN DE LA DANZA
TIPOS DE DANZA
DANZA INTERPRETE
Es un tipo de danza que se expresa a partir de movimientos corporales, lo que el Espíritu santo esta diciendo a través de la música o letra de un himno. Se puede hacer individual, de 2 o en grupo...
DANZA DAVIDICA O JUDIO/MESIANICA
Es una danza universal proveniente del folklore israelí y que data de tiempos antiguos. De hace siempre en círculos y tomados de las manos porque de tal forma representa como es llamada también esta danza, la danza de unidad..
COREOGRAFICA
Es un tipo de danza que demanda tiempo y practica y ayuda a adquirir disciplina de danza.
DANZA ESPONTANEA
Es conocida como danza libre, sin previo ensayo al montarla, solo tiene que conocerse pasos, rutinas y movimientos, cualquier tipo de danza puede ser espontánea.....
DANZA CONGREGACIONAL
Es una danza realizada por la iglesia, unidos en un solo cuerpo y espíritu.
El ballet (danza clasica), la danza moderna, danza posmoderna (contemporánea) y jazz son parte de las danzas formales. También los bailes de salón (Tango, Chachachá, Charleston, etc.) se encuentran reglados en la actualidad y se practican en forma profesional.
Además de estos tipos de danza, encontramos las danzas propias de cada región que pueden o no ser formales y son parte importante de la tradición del lugar.
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, sin los cuales ella no existiría. Ellos son:
ritmo, forma, espacio, tiempo como duracion, grado de energia.
De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía propia, con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor duración.
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento.
Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una intención determinada se complementa con el que llamaremos Adicionales No Danzantes. Estos son cuatro: Mímica, Gesto simbólico, Canto y Palabra.
Veremos en principio una reseña de los tipos de danza que aparecen a lo largo de la historia como producto de las diferentes culturas. Así la primera gran clasificación que podemos hacer es la de danzas antiguas, por una parte, y danzas teatrales modernas por otra. Veremos danzas que aún en nuestra época perduran ya que forman parte de culturas primitivas o intermedias, pueblos que no han seguido el ritmo de la humanidad contemporánea en su evolución hasta nuestros días, y que nos brindan la posibilidad de comprobar en forma directa cómo era el arte de la gran mayoría de la humanidad en épocas anteriores. En estos casos se destaca el predominio de uno u otro de los elementos del movimiento que obedece a razones naturales, ya sea de alegría o tristeza. Lo que llamamos danza teatral moderna sufre un proceso inverso, ya que el coreógrafo se propone crear una danza de determinado carácter y usará el elemento para ese fin.
CLASIFICACIONES
a)DANZAS ANTIGUAS:
1) Primitivas (danzas orgiásticas, danzas mágicas)
2) Rituales
3) Folklóricas
b) DANZAS TEATRALES MODERNAS:
1) Ballet clásico,
2) Ballet neoclásico,
3) Ballet moderno (1º etapa alemana, 2º etapa americana)
EVOLUCIÓN DE LA DANZA
La danza ha evolucionado a traves del tiempo, desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresen sentimientos y estados de animo.
Estos primeros movimientos ritmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes ( nacimientos, defunciones, bodas). La danza tenia un componente ritual.
Muchas formas tempranas de la musica y la danza se han creado y realizado en conjunto. Este desarrollo ha continuado vinculado a traves del tiempo con las formas de danza (musica, tales como:
* Vals
* Tango
* Salsa - electrónica
* Hip - hop
ELEMENTOS QUE INTERVIENEN EN LA DANZA
La danza es un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales; sin los cuales ella no existiría. Ellos son :
* Ritmo
* Forma
* Espacio
* Tiempo
* Energía
ARTES CON LAS QUE SE RELACIONA LA DANZA
La danza se relaciona con:
EL TEATRO:
La danza y el teatro se enriquecen mutuamente y hasta se llegan a fundir, por ejemplo en la interpretación de argumentos que son la razón misma de la danza, los bailarines deben expresar fielmente las características del personaje o una temática.
LA MÚSICA:
Es una de las vinculaciones mas evidentes, incluso existe cierta música que relacionamos con algún movimiento corporal.
ARTES PLÁSTICAS:
Se da mediante la coreografía. El vestuario, la escenografía, la utilaria y el maquillaje. Por ejemplo, algunos vestuarios de bailes regionales mexicanos, tienen un colorido impresionante y una riqueza en las formas, allí se encuentra la relación con las plásticas.
ARQUITECTURA
La arquitectura es el arte y tecnica de proyectar y diseñar edificios, estructuras y espacios. El término «arquitectura» proviene del griego αρχ (arch, cuyo significado es
‘jefe’, ‘quien tiene el mando’), y τεκτων (tekton, es
decir, ‘constructor’ o ‘carpintero’). Así, para los antiguos griegos el arquitecto era el jefe o director de la construcción y la
arquitectura la técnica o arte de quien realizaba el proyecto y dirigía la
construcción de los edificios y estructuras, ya que la palabra Τεχνη (techne)
significa ‘saber hacer alguna cosa’. De ella proceden las palabras «técnica» y
también «tectónico» (‘constructivo’).
El teatro es la rama de las artes escénicas relacionada
con la actuación, que representa historias actuadas frente a la audiencia
usando una combinación de discurso, gestos, escenografía,música, sonido
y espectáculo.
También se entiende por «teatro» al genero
literario que
comprende las obras concebidas para un escenario
ante ante un público, así como a la edificación donde se presentan tradicionalmente dichas
obras. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también
toma otras formas como la opera, el ballet, la opera china y
la pantomima.
El día mundial de el teatro se celebra
el 27 de Marzo.
La música es, según la definición tradicional del término, el
arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente
de sonidos y silencios utilizando principios fundamentales de
la melodía, la armonia y el ritmo, mediante la
intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido
evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin
distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace
varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la
música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias
artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse
musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es
un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia
estetica en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estimulo que afecta el campo
perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas
funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).
La pintura es el arte de la representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes
orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean tecnicas de
pintura, conocimientos de teoria del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en
una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un
muro, para obtener una composicion de formas, colores, texturas,
dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos
principios esteticos.
El arquitecto y teórico del clasicismo Andre Felibien, en el
siglo XVII, en un prólogo de las Conferencias de la Academia francesa hizo
una jerarquia de generos de
la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores
y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y
una de las siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte modernos la
pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre
superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte
físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los
soportes o las técnicas digitales.
Se le denomina escultura al arte de modelar el barro, tallar en
piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la
obra elaborada por un escultor.
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se
expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen
todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y
medios ha originado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como
el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se
entiende por escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.
EL Cine es la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma rápida y
sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o de película, o film, o filme). La palabra
«cine» designa también las salas de cine o sala de proyecciones en
los cuales se proyectan las películas.
Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo
creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos
palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa «movimiento»
(ver, entre otras, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»); y
por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto
de «imagen en movimiento».
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un
arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo
denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la
libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo,
las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje,
guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el
verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra
parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género.
A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de
personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores,
fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad
artística de una producción cinematográfica.
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